LIBRO CON CD

La CHITARRA BRASILIANA AUTODIDATTA. Mirco Bonucci. CD TABLATURE

IN ITALIANO

LIBRO METODO DI MUSICA BRASILIANA PER CHITARRA CON CD E TABLATURE
SPARTITI CON ACCORDI, PENTAGRAMMA E TABLATURE. 

Questo metodo si propone di guidare l'autodidatta nel mondo della chitarra brasiliana. Il libro è accompagnato da un cd che con esercizi graduali porta all'esecuzione di alcuni tra le composizioni più famose dalla musica brasiliana.Insensatez - O a paz - Eu sei que vou te amar - A Banda - Eclipse - Chega de saudade

INTRODUZIONE
Lo strumento che esprime più efficacemente l'animo musicale
del popolo brasiliano è senza dubbio la chitarra.
La vastità del territorio brasiliano ed il carattere multietnico della
sua popolazione hanno favorito lo sviluppo di tecniche
chitarristiche che variano da regione a regione e che non
consentono di parlare di una "sola" chitarra brasiliana.
Ma nella loro diversità tutti gli stili del presente e del passato di
questo strumento in questo paese, hanno un elemento comune:
IL RITMO.
Il ritmo, che è uno degli elementi principali di un evento
musicale, sembra assumere nella musica brasiliana una valenza
superiore.
Qualsiasi chitarrista avrà osservato che per suonare musica
brasiliana è indispensabile avere un buon senso ritmico.
Partendo da questa semplice considerazione ho deciso di
strutturare un libro con esercizi che insegnino ad eseguire
correttamente il ritmo di alcuni fra gli stili più popolari della
musica brasiliana.
Il libro è consigliato a coloro che abbiano già una minima
conoscenza di accordi.
Nel CD allegato sono contenuti tutti gli esempi riportati nel libro.
Nel volume troverete le trascrizioni di alcune tra le composizioni
brasiliane più conosciute.
Buon Lavoro

INDICE
Introduzione
Note e pentagramma
Valori musicali
Alterazioni
Notazione e simbologia
Accordi ed armonia
La formazione degli accordi
Voicing 1
Voicing 2
Voicing 3
Esercizi con i voicings
La mano destra
La mano destra di Joao Gilberto
Nozioni fondamentali di ritmo
Primi esercizi
Modulo N°i
Modulo N°2
Modulo N°3
Brega
Modulo N°4 "II 3/4" (Esercizio)
Modulo N°S
Arpeggi
Sineta
Il pollice si oppone alle altre dita
Saude
L'anima ritmica della chitarra brasiliana
Frevo
Um pouco por dia
Baiao
Choro
Samba
Bicicleta
Trascrizioni
Appunti sulle canzoni trascritte
Suggerimenti per lo studio
Insensatez
Eclipse
O amor em paz
Eu sei que vou te amar
A banda
Garota de Ipanema versione Joao
Garota de Ipanema versione Jobim
Chega de saudade

Track
Titolo
Accordatura
Esercizio N° 1
Esercizio N° 2
Esercizio N° 3
Modulo N°1
Applicazione N°1
Modulo N°2 ("Estrangeiro")
Modulo N°2 ("Paisagern da janela")
Modulo N°3
Esercizio
"Maria Ninguém"
"Ho bà-là-là''
Brega
Modulo N°4 "II 3/4"
Esercizio
"Chovendo na roseira"
"Vaisinha"
Modulo N°5
"Por isso eu corro demais"
Arpeggio
Esercizio
"Agua negra da lagoa"
"Farolito"
"A paz"
Sineta
Esercizio
"Coisinha de pai"
"Aos pes da Santa Cruz"
Saude
"A felicidade"
"Clandestino"
"Branquinha"
Um pouco por dia
"Aza bianca"
Ritmo
Tango brasileiro esempio 1
Tango brasileiro esempio 2
Bicicleta
Insensatez
Eclipse
O amor em paz
Strumentale di "O amor em paz"
Eu sei que vou te amar
A banda
Garota de Ipanema versione Joao
Chega de saudade 

TRASCRIZIONI DI BRANI CELEBRI
Insensatez
Eclipse
O amor em paz
Eu sei que vou te amar
A banda
Garota de Ipanema versione Joao
Garota de Ipanema versione Jobim
Chega de saudade

Alcuni suggerimenti per studiare le trascrizioni

Le trascrizioni in appendice sono tutte facilmente reperibili, in linea di massima ho privilegiato le versioni originali.
Prima di tutto ascoltate molto bene l'esecuzione originale, poi concentratevi sugli accordi, memorizzate le forme e non preoccupatevi del ritmo; potete utilizzare inizialmente un
pattern ritmico semplice e ripetitivo.
Una volta assimilate le armonie di base iniziate la lettura delle ritmiche.
Consiglio di affrontare prima "Insensatez" e "O amor em paz" che sono le più semplici ritmicamente e lasciate per ultima "Chega de saudade".
Data l'importanza del ritmo nella musica brasiliana non abbiate timore di perdere tempo insistendo su un paio di battute che risultino difficili, perché è proprio in questa diversità ritmica che sta uno dei caratteri predominanti della musica brasiliana.
Un discorso a parte merita "Eu sei que vou te amar" in quanto i pattern ritmico apparentemente semplice diventa invece o complesso se abbinato alla voce.

Appunti sulle canzoni Proposte

Insensatez
Una delle composizioni più conosciute di Jobim e V. de Moraes, qui nella versione
originale con l'arrangiamento di Jobim e la voce e la chitarra di Joao Gilberto.
Ispirata al preludio n024 di Chopin, ascoltare per credere, ha riscosso successo
anche come standard jazz ed in questo caso è stata chiamata "How Insensitive" ed
è suonata di norma in tonalità di Rem.

Eclipse
Questa canzone fa parte di una raccolta che Joao Gilberto ha dedicato alle canzoni
messicane.
L'arpeggio è molto semplice ma le sostituzioni armoniche sono come al solito di una
"elegante semplicità".
Ascoltate, tratta dallo stesso disco , "Besame mucho" e se possibile cercate le
armonie originali per poter valutare appieno la freschezza e la lucidità degli
arrangiamenti chitarristici di J. Gilberto.

oamor em paz
Sempre di Jobim, molto apprezzato anche nel jazz per le frequenti modulazioni;
a enzione al finale ed ai segni di ripetizione.

Eu sei gue vou te amar
a versione di Caetano Veloso è interessantissima per il ritmo imposto sulla voce.
e armonie sono semplici e non rivelano particolari sorprese.
Ho riportato le due varianti ritmiche che Caetano esegue ad un certo punto della
canzone perché sono degli ottimi esercizi sulla ritmica, in particolare la seconda con
il cambio in 3/4.

A banda
Tempo di Marcha-Rancho per una delle canzoni più famose di Chico Barque, cantata
anche in Italia da Mina con l'ottima traduzione di S. Bardotti che è stato uno dei più
importanti traduttori di testi brasiliani in Italia.
Il ritmo è simile ad una marcia e per questo di solito incontra il favore anche dei
chitarristi non troppo avvezzi a formule ritmiche complesse.

Garota de Ipanema
La canzone brasiliana più famosa nel mondo, una ragazza che non invecchia mai.
Questa versione è quella originale in Reb, poi Joao la suonerà sempre in Re maggiore.
Studiate con molta attenzione le ritmiche che ho trascritto; si tratta di una vera e
propria guida alle ritmiche moderne brasiliane.

Chega de saudade
Il brano che insieme a Desafinado è il manifesto della Bossa-nova.
Le covers di questa canzone sono innumerevoli soprattutto nel Jazz.
La forma del brano è A B con la prima parte in tonalità di Re minore e la seconda
invece in Re maggiore come accade spessissimo nello Choro.
Colgo l'occasione per sottolineare che spesso in queste composizioni la novità sta nel
contenuto lirico, nelle parole, così è per questo brano già dal titolo "Basta con la
saudade".

NINO RICARDO, ESTUDIO DE ESTILO José Fuente CD TABLATURE CHITARRA

Fuente, José - NINO RICARDO

Nuestro libro les brinda diez composiciones más emblemáticas del genio de Niño Ricardo trascritas íntegramente. El CD presenta las grabaciones originales, desde su primer disco de 78 revoluciones («Espeleta» - 1943) hasta su última sesión de solista («Llora la Caña» - 1965).

10 PEZZI COMPLETI

Sumario:

Alegrías en La
Alegrías en Mi
Bulerías
Caña/Soleá
Fandangos
Granaína
Serrana
Soleá I Fandango por Bulería
Soleá por Bulería
Farruca I Colombiana I Alegrías I Colombiana
 

repetición de un acorde

ESTRUCTURA DE LOS PALOS

fin de compás
: división de un compás (en las Siguiriyas y en las Bulerías). En este caso, los guiones valen por barras de medida para los diesis,
bemoles y becuadros.
lIam: llamada
rem : remate

NIÑO RICARDO
Manuel Serrapí Sánchez "Niño Ricardo» (1904 - 1972) fue hasta los años 1970 para los guitarristas flamencos la mayor referencia.
Lo fue para Victor Monge "Serranito», Manolo Sanlúcar y Paco de Lucía pero también para Eduardo de la Malena, Felix de Utrera, Ramón de Algeciras, José María Pardo ... Puede por tanto considerarse como el gran impulsor de la guitarra flamenca moderna.
Dicho puesto privilegiado se lo debe a su genio de compositor, pero también a unas circunstancias históricas particulares: entre los años 1930 y 1950, algunos grandes artistas contemporáneos de Niño Ricardo habían emigrado a América (Estebán de Sanlúcar, Sabicas y Mario Escudero) o a Gran Bretaña (Pepe Martinez) y los que se quedaron en España eligieron en su mayor parte llevar una carrera "clandestina» en algunos calmaos o en reuniones privadas (Javier Malina, Manolo de Huelva, Perico el del Lunar, y, aunque en menor medida, Luis Maravilla y Manolo y Pepe de Badajoz). Cabe también recordar que las grabaciones de Ramón Montoya resultaron poco acequibles en España durante mucho tiempo.
Al contrario de ellos, Niño Ricardo, nunca se negó a tocar en unos espectáculos para el gran público. Participó en un sinfín de giras de "ópera flamenca» desde 1926 con la Niña de los Peines, Cojo de Málaga, Manuel Centeno ... hasta los años 1960 con Antonio Malina. Entre tanto había colaborado en los espectáculos de Lola Flores, Concha Piquer «Las calles de Cádiz»), con la "Compañía de canciones y bailes españoles» de Mari Paz. Y sobre todo con Juanito Valderrama. Niño Ricardo fue entonces un artista polifacético, capaz de componer unos temas exitosos para este tipo de espectáculos ("Mi primera comunión», "El lerele" ... y el famoso "El emigrante»), y de acompañar a los grandes cantaores más clásicos tales como la Niña de los Peines, Tomás Pavón,
Pepe Pinto, José Cepero, Manuel Vallejo, Manolo Caracol, Juan Talega, Roque Montoya "Jarrita», Antonio Mairena, Manuel Mairena, El Chocolate ...

Entonces, no es de extrañar que la discografía de Niño Ricardo como guitarrista acompañante sea una de las más copiosa en la historia del flamenco. Iniciada en 1927 con una serie de grabaciones con la Niña de los Peines (Regal) cubre casi medio siglo, con una última sesión con Manolo Caracol editada en 1972, el año en que falleció ("Manolo Caracol: cante grande» - LP RCA Victor LSP 10464). Además de los cantaores ya mencionados encontraremos también, entre otros, Niño de Gloria, Pepe Marchena, Manuel Vega "el Carbonerillo», Pena hijo, El Sevillano, José Palanca, Juan Varea, Pericón de Cádiz, Porrina de Badajoz, Curro de Utrera, Jesús el Chozas, Rerre de los Palacios, Pepe Gullena, Manolo Leiva ... Es de notar también que los jóvenes cantaores de los años 1960, solicitaron mucho a Niño Ricardo, quien representaba para ellos un sello indiscutible. Lo hicieron Juan Peña "el Lebrijano" (Columbia, 1965, 1966 Y 1968· este último disco titulado "De Sevilla a Cádiz», Lp C 7002, en duo con Paco de Lucía), Curro Malena (Lp Columbia C 7041 - 1969) Y Enrique Morente «<Cantes antiguos del flamenco», Lp Hispavox HH 10-355 – 1969). Con diez años Niño Ricardo trabajaba ya como carbonero (de ahí su primer apodo «Manolo el Carbonero») pero lo dejó para trabajar en un taller de ebanistería de barnizador. Aprendió al mismo tiempo a tocar la guitarra por sí mismo y consiguió muy pronto sus primeros contratos profesionales: a partir de 1917 según sus propias declaraciones, trabaja en el "Café Novedades" de Sevilla. Ahí aprendería el oficio "sobre la marcha» inspirándose en los grandes profesionales con los que se codeaba en Novedades y en otros cafés cantantes de Sevilla, en el ambiente de los calmaos de la Alameda de Hércules, punto de encuentro de los flamencos sevillanos: José Triano "el Ecijano», Javier Malina (1868 - 1956), Currito el de la Jeroma (1900 -1930) Y sobre todo, Antonio Moreno (1890 - 1937). Acompañando al baile en los cuadros flamencos, y (aunque menos) al cante, el joven Ricardo va adquiriendo experiencia.

De ahi su gusto por los toques acompasados y por las tecnicas esencialmente flamencas (rasgueados, tecnicas de pulgar o alternancia pulgar/indice (vease abajo). Solo mas tarde introducira en su toque, las tecnicas c1asicas desarrolladas por la "escuela de adrid» (Ramon Montoya, Miguel Borrull, Luis Molina) influenciado por la grabaciones de Molina y Montoya. Nino Ricardo sera entonces, uno de los fundadores de la escuela andaluza, mas centrada en el toque a com pas y "a cuerda pela» (toque monodico) al ue aportara su sello irrepetible. No nos extrana, por tanto, que Nino Ricardo haya sido el unico guitarrista famoso de la epoca en . teresarse en el toque de Diego del Gastor, con el cual establecio una "correspondencia» musical duradera : Paco del Gastor, sabri no de Diego haciendo de "cartero» entre Moron y Sevilla, aprendiendose una nueva falseta del uno, para tocarsela al otro ...
Y sin duda, por eso, Nino Ricardo puede considerarse, junto con Manolo de Huelva (1892 - 1976), como uno de los creadores de la uleria moderna. Dicha forma se estaba elaborando en aquella epoca, y se hallaba poco individualizada : Ramon Montoya solia 'ocarla como una suerte de Alegria 0 de Solea rapid a, y Luis Molina y Miguel Borrull solian conformar su acompanamiento a unas secuencias de medios compases binarios en seis tiempos. La tradicion (y sobre todo Pepe de la Matrona) suele atribuir la codificacion la forma Buleria, tal como la conocemos ahora, a Javier Molina. Esta afirmacion no se puede averiguar puesto que tenemos pocas aciones de Javier Molina (cuatro cantes con Manuel Torres: dos Soleares y dos Siguiriyas) aunque se puede considerar como osimil si consideramos el toque de sus alumnos y en particular el de los hermanos "Morao».

Ricardo y Manolo de Huelva trabajaron much os anos en Novedades con Javier Molina, y aunque Manolo de Huelva era mayor e Nino Ricardo, al empezar a actuar como concertista c1asico, 10 mas probable es que aprendio su oficio de tocaor flamenco al o tiempo que el en el Novedades. De hecho las primeras grabaciones por Buleria de ambos guitarristas son contemparaneas y comparables : principios de los anos 1930, para unos "cuples por Buleria» de Canalejas de Puerto Real y Manuel Vallejo 010 de Huelva) y de la Nina de los Peines y Manuel Vallejo (Nino Ricardo). En ambos casos tenemos la misma manera e lir» el cicio melrico, como empezando en el tiempo 12 (y no en el 1) de la Solea y la misma allernancia caracleris 'ca ariolbinario (6/8 I 3/4) a partir delliempo 12. Las falselas lambien son equiparables : por 10 esencial, conslan de unos rasgos e do. Senalaremos sin embargo, una diferencia de eslilo. Para Manolo de Huelva los rasgos en picado quedan en su mayoria unos de escalas conjunlas, mienlras que Nino Ricardo liene lendencia a parafrasear, en sus falsetas, unos exlraclos de melodias e «cuples» que se van a canlar (Ia melodia ante lodo para Nino Ricardo). Es de anadir que ambos artislas luvieron el mismo papel elaboracion de la otra forma que se eslaba desarrollando en la epoca, la de los Fandangos de Huelva.

ESTILO DE NINO RICARDO
grabaciones en solo de Nino Ricardo y Ramon Montoya tienen dos punlos en comun : ambos empezaron a grabar larde (ea . enla anos para Ricardo: la primera sesion con fecha probada es de 1943 para Columbia - las primeras versiones de la Zeria arabesca» y de las Alegrias "Espelela») ; ambos han grabado su obra maestra en Paris (en 1955 para Nino Ricardo e Chant du Monde).
embargo la comparacion de dichas discografias mueslra a las c1aras las diferencias de estilo entre las escuelas de Madrid y de andalucia a las que aludiamos, tanlo en las formas como en los modos privilegiados par ambos guitarrislas :
Las formas favoritas de Nino Ricardo son, sin lugar a dudas las que estriban en unos ciclos de doce tiempos, sobre todo Alegrias y Bulerias. Grabo nueve Alegrfas (en Sol, Mi y La) y seis Bulerias (dos en duo con Melchor de Marchena y una con Sabicas). La comparacion con Montoya es considerable: una Alegria (nos resulta dificil anadir las dos versiones de "La Rosa» ya que el compas de alegrias es demasiado fluctuanle : se trata, mas bien, de unos toques de concierto sin compas de referencia) y una Buleria (aunque la primera parte es, de hecho, una Solea por Buleria). Ricardo nos deja siete versiones de la Solea (contando "Lloora la cana»). Y si grabo solo dos veces la Siguiriya, sus falsetas han servido de ejemplo para todos los guitarristas posleriores.

Por outra parte, Nino Ricardo compuso unos toques de concierto que no corresponden a las formas del repertorio del cante como «gitaneria arabesca» (Ia primera Zambra para guilarra solisla), «Recuerdo a Sevilla» (subtitulado «Serenata», en el mismo compas de zambra) y "Temas farrucos» sublilulado de manera acertada «polpurri flamenco» (empieza con la Farruca luego sigue con su Creacion «Asturiana» para la Nina de los Peines, sigue con las Alegrias y concluye par Colombiana). Estos Ires toques de concierto se pueden vincular con las tres versiones de la Farruca "Almoradi» (subtitulada «Fantasia») y con una version de los Campanilleros.
No haòlamos nada parecido en la obra de Montoya, con la excepcion de una composicion litulada «Alborada» (y posiblemente, las dos «Rosas»).

Nino Ricardo es ante lodo un gran melodista. No ha sido novador, como 10fue Monloya, en 10modal y 10armonico. La mayor parte de sus composiciones eslriban en los modos tradicionales "por arriba», «por medio» y "por Granaina» (y claro eSla, en las tonalidades mayores y menares usuales para las Alegrias, las Bulerias, la Farruca. los Campanilleros y el Zapateado).
 

Chitarra Acustica Blues 

LIBRO DI MUSICA PER CHITARRA CON CD E TABLATURE.

Il Metodo completo per la chitarra acustica blues. - Livello Base. Autore Lou M. CD TABLATURE

IL METODO PER CHITARRA ACUSTICA BLUES DEL ''NATIONAL GUITAR WORKSHOP''

Un libro didattico completo destinato al chitarrista blues interessato ad un serio studio dello strumento, da una delle più importanti scuole americane di musica contemporanea.
Incluso un CD audio contenente esempi e basi per suonare.

COMPRENDE:
- Numerosi esempi pronti da suonare, notati in partitura e intavolatura.
- Diagrammi degli accordi di facile lettura
- Lezioni sulle tecniche della chitarra Blues
- Spiegazioni di facile comprensione della teoria musicale

IL METODO COMPLETO PER LA CHITARRA ACUSTICA BLUES
LIVELLO BASE, LOU

Perfetto per i chitarristi acustici Blues alle
prime armi, e per chi vuole ampliare le proprie
conoscenze. Lou Manzi, autore del libro di
grande successo ''Beginning Fingerstyle guitar','
ha realizzato un metodo didattico curato
minuziosamente, destinato specificamente ai
chitarristi acustici. Questo libro rende facile
e piacevole lo studio delle fondamenta della
chitarra blues. Comprende sezioni dedicate alla
teoria musicale, agli accordi, alle tecniche della
mano sinistra, ai patten di chitarra ritmica, e
lezioni sull'improvvisazione nel blues. Studenti,
Insegnanti e autodidatti ameranno allo stesso
modo questo metodo accurato e di semplice utilizzo.
 

Traduzione italiana - Un nuovo libro della già nota collana National Guitar Workshop. Perfetto per i chitarristi acustici blues alle prime armi, e per chi vuole ampliare le proprie conoscenze. Un metodo didattico curato minuziosamente, che rende facile e piacevole lo studio delle fondamenta della chitarra blues. Comprende sezioni dedicate alla teoria musicale, agli accordi (con diagrammi di facile lettura), alle tecniche della mano sinistra, ai pattern di chitarra ritmica, e lezioni sull'improvvisazione nel blues. Studenti, insegnanti e autodidatti ameranno allo stesso modo questo metodo accurato e di semplice utilizzo.

INFORMAZIONI SU QUESTO LIBRO

Hai fatto una grande scelta nel decidere di imparare a suonare il blues - e quale strumento 
migliore per cimentarsi con esso della chitarra acustica, che è stata l’amata e fedele compagna dei 
musicisti blues sin dagli albori di questo stile musicale? Se sei un principiante assoluto, troverai i 
primi passi che ti proporrà questo libro semplici e divertenti. Si offre molto anche al musicista 
con più esperienza. In ogni caso, stai sicuro che troverai nel blues uno stile ricco e appagante.
Con un po’ di esercizio, ti riuscirà facile padroneggiare la maggior parte degli esempi musicali 
proposti in questo libro. La musica sul CD probabilmente ti suonerà familiare; molti grandi 
artisti blues impiegano le tecniche illustrate nel libro. Poniti l’obiettivo di imparare tutta la musica 
proposta in ciascun capitolo, e sarai sulla buona strada per diventare un vero chitarrista blues.
Non è necessario che tu affronti questo libro seguendo strettamente l’ordine delle pagine. 
Potresti trovare più divertente saltare qua e là. Esegui dapprima gli esempi più semplici e, non 
appena ti senti più sicuro, inizia a lavorare su materiale di maggior difficoltà. Un’altra opzione 
è quella di ascoltare il CD e di dedicarti innanzitutto agli esempi o alle canzoni che preferisci. 
Assicurati, in ogni caso, di studiare la teoria musicale proposta; ti renderà un musicista migliore.
Il blues ha influenzato profondamente rock, jazz, country, R&B e sostanzialmente ogni altro 
genere di musica moderna. Come musicista blues, avrai confidenza con molti elementi che è 
possibile rinvenire in questi altri stili, e disporrai quindi di un’ottima base di partenza per studiare 
qualsiasi genere di musica moderna.
Il blues è come un pozzo. Puoi prendere un po’ di acqua dalla superficie ed ottenere una 
bevanda rinfrescante. Ciò potrebbe essere paragonato a una persona che fa i primi passi musicali, 
imparando alcune canzoni. Ma il pozzo è profondo, e c’è ottima acqua a tutti i livelli, sino al 
fondo. Puoi suonare il blues per anni e continuare a imparare e ad abbeverarti a questo pozzo. 
La tua padronanza del materiale proposto in questo libro è solamente il primo sorso. Divertiti!
Questo libro contiene un CD. Utilizzarlo ti aiuterà a rendere lo studio più piacevole 
e le informazioni più ricche di significato. Ascoltare il CD ti permetterà di interpretare correttamente i ritmi e il feel di ciascun esempio. Il simbolo a sinistra appare in 
prossimità di ciascuna canzone o esempio la cui esecuzione è contenuta nel CD. Il 
numero dell’esempio è indicato sopra il simbolo. Il numero della traccia sotto ad ogni 
simbolo corrisponde direttamente alla canzone o esempio che desideri ascoltare. La 
prima traccia ti aiuterà ad accordare lo strumento

LA SETTIMA BEMOLLE
In questo contesto utilizziamo il termine “bemolle” per indicare genericamente l’abbassamento
di semitono della settima. Ad esempio, se abbassiamo di un semitono un sol #, otteniamo un sol
naturale. Sol # è il settimo grado della scala di LA maggiore, quindi sol n è considerato la b
7. Di seguito viene proposta una variazione sullo schema precedentemente visto che alterna accordi
“5” e “6”. Se utilizzi il quarto dito della tua mano sinistra per premere la corda un tasto più avanti
rispetto alla collocazione della sesta, ottieni una b 7. Si tratta di una sonorità fondamentale nel blues.
Questo shuffle è basato sulla forma di blues più comune. 

suona il suo originale e dinamico stile di chitarra acustica blues dagli anni settanta. Ha scritto quattro libri dedicati al fingerstyle, tra cui Beginning Fingerstyle Guitar (The National Guitar Workshop/Alfred #14099). Lou ha suonato molto come artista solista e come parte del duo Fletcher & Manzi, con Rob Fletcher. Il loro CD, Horsin’ Around Live, comprende pezzi originali che miscelano blues, jazz e rock.  Appare anche su Remembrance, una compilation dedicata ai veterani americani. Lou è insegnante in diverse scuole del Connecticut, e fa parte del National Guitar Workshop dal 1984. Riconosciuto come valido insegnante di chitarra acustica e di blues, ha tenuto seminari didattici in tutti gli Stati Uniti.

TAVOLA DEI CONTENUTI

INFORMAZIONI SULL’AUTORE

INFORMAZIONI SU QUESTO LIBRO

CAPITOLO 1 - Si parte!

Scegliere le corde.

Le corde a vuoto.

Accordatura .

Le altezze musicali e la tastiera.

La notazione musicale standard.

Leggere l’intavolatura

Leggere i diagrammi delle scale e degli accordi.

Leggere le chart degli accordi .

Postura.

Tecnica della mano destra.

Tecnica della mano sinistra .

CAPITOLO 2 – La progressione blues in

12 battute 19

Il blues in 12 battute più semplice.

La progressione blues in 12 battute più semplice .

La forma più semplice di blues in 12 battute, in MI

La forma blues in 12 battute piu’ comune.

La forma blues in 12 battute più comune, in LA .

La forma blues in 12 battute più comune, in MI..

La forma blues in 12 battute più comune, in RE.

La forma blues in 12 battute più comune, in SOL.

CAPITOLO 3 – Ritmica e Teoria Blues

Ottavi swing .

Intervalli.

CAPITOLO 4 – Blues shuffle 26

Accordi su due corde.

Blues shuffle in LA.

Il blues 5, 6, b

7 in LA .

Blues shuffle in MI .

CAPITOLO 5 – Palm muting

Shuffle in palm mute

Palm muting in LA .

CAPITOLO 6 – Ancora sulla scala maggiore

CAPITOLO 7 – Teoria degli accordi

e armature di chiave

Triadi maggiori e minori .

Triadi diminuite ed eccedenti .

Accordi di settima.

Armonia diatonica.

Armature di chiave.

CAPITOLO 8 – Pattern Blues

Boogie Woogie 42

Boogie-woogie in SOL.

Boogie-woogie in MI.

CAPITOLO 9 – Accompagnamento blues

in strumming 44

Blues in 12 battute in DO.

Blues in 12/8

Blues con due pennate per battuta in LA.

Strumming in MI .

CAPITOLO 10 – Solismo blues

La scala pentatonica minore .

La scala pentatonica maggiore.

La scala blues.

Fraseggio .

CAPITOLO 11 – Tecniche della

mano sinistra 55

Legati ascendenti.

Legati discendenti.

Bending.

Slide.

Vibrato..

Combinare le tecniche.

CAPITOLO 12 – Altre ritmiche blues e pattern

per la mano destra 62

Blues in SI b

Arpeggi .

Blues arpeggiato.

Lo strumming basato su note da un sedicesimo.

Funky blues in SI

Strumming in levare.

Blues in levare in FA.

CAPITOLO 13 – Turnaround

CAPITOLO 14 – Blues basati su riff

Blues basato su riff in MI minore.

Riffin’ in FA.

Octave Blues.

Blues funky in sol minore

CAPITOLO 15 – Pattern trasponibili

su due corde

Shuffle in SOL

Chuck’s blues

Shuffle in MI

CAPITOLO 16 – Accordi con barrè

Blues in LA b

con accordi in barrè .

CAPITOLO 17 – Blues in otto battute

Key to the Turnpike.

Too Long Blues.

Capitolo 18 – Blues minore

Blues minore in LA

Blues con tre pennate per ogni battuta

Blues per B. B.

CAPITOLO 19 - Blues fingerstyle

Blues minore per il reverendo Gary

Blues per Missisipi John

Keep on pickin’

Blues per Lightnin’

Boogie-woogie time

APPENDICE

RIFLESSIONI CONCLUSIVE

MORRICONE ENNIO, FOR GUITAR. Carlo Marchione. SHEET MUSIC BOOK with CD & GUITAR TABLATURE .

LIBRO DI MUSICA CON CD .

SPARTITI PER CHITARRA CON PENTAGRAMMA E TABLATURE.

Arrangiamenti per chitarra a cura di Carlo Marchione
Il volume include i seguenti brani di Ennio Morricone trascritti per chitarra sia in notazione standard che in intavolatura. Gabriel's oboe - Il buono, il brutto e il cattivo - Nuovo cinema paradiso - Sean sean - Nostromo - A l'aube du 5° jour - Per Elena

Prefazione dell'autore
Il 14 Febbraio di quest'anno (2009) ho potuto coronare un sogno: aprire nell'Arena di Belgrado (in presenza di 12.000 ascoltatori) un fantastico concerto del Maestro Morricone, eseguendo i suoi 4 pezzi originali per chitarra composti nel lontano 1957 e dedicati al Maestro Mario Gangi (che é anche stato il mio indimenticabile Professore al Conservatorio di Santa Cecilia negli anni '80). Quel giorno ho potuto chiudere un cerchio che avevo cominciato a disegnare nel 1999, anno in cui una nota casa editrice mi aveva richiesto di arrangiare in forma di concerto 12 temi del Maestro Morricone. Gli ultimi 10 anni ho quindi vissuto un intenso rapporto con la musica di questo grande compositore (come avrete letto all'inizio, non solo con quella conosciutissima scritta per il cinema). E se é senz'altro vero che nei miei concerti i bellissimi temi del Maestro hanno lasciato un ricordo indelebile sugli ascoltatori di tutte le fasce di età e cultura, é anche vero che negli ultimi 10 anni mi sono dovuto difendere da migliaia di mails di colleghi e di gente che aveva ascoltato un mio concerto (o registrazioni Internet) in cui mi veniva chiesto dove si potevano ottenere gli arrangiamenti di 'Cinema Paradiso', 'II Buono, il Brutto e il Cattivo' e di altri temi indimenticabili. Ebbene la Carisch, grazie al disinteressato aiuto di intermediazione del Maestro Roberto Fabbri, ha messo la parola fine a questo stato di cose. Con un coraggio non indifferente e con amore grande almeno quanto il mio per questa musica ha deciso di pubblicare 7 dei 12 brani che originalmente avevo arrangiato (cosa che la casa editrice citata all'inizio non era più stata in grado di fare). A loro va il mio grazie più sentito e sincero. Anche ai miei due studenti Boris e Ozan vorrei far arrivare un grazie di cuore per avere tradotto in PDF i miei manoscritti illeggibili. Ogni errore che troverete nella pubblicazione é solo da ascrivere alla mia calligrafia! A Enea Leone, (quando dici il nome ...), un Oscar alla pazienza per aver prima decifrato e poi messo in musica i miei arrangiamenti, realizzando un disco bellissimo, e per molti aspetti commovente, che troverete allegato allo spartito. E per finire un grazie sentitissimo anche a chi sta leggendo queste due righe, per aver comprato questo spartito e che sia di auspicio per una futura pubblicazione di altra bellissima musica.
Carlo Marchione

ENEA LEONE

Nato a Milano nel 1978, si avvicina allo strumento giovanissimo seguito dal padre. Prosegue

gli studi sotto la guida di Lena Kokkaliari sino al suo ingresso al Conservatorio "G. Verdi" di

Milano con Ruggero Chiesa e Paolo Cherici, diplomandosi nel 1998 con il massimo dei voti.

Qui frequenta inoltre due anni di tirocinio e due anni di corso post-diploma riportando sempre

la massima valutazione.

Si è perfezionato con Emanuele Segre, Alirio Diaz e con Oscar Ghiglia, ottenendo da quest'ultimo

le borse di studio ed i diplomi di merito presso l'Accademia Musicale Chigiana di

Siena (2002- 2003). Nel 2005 ha conseguito il "Solistendiplom" presso la Musik-Akademie

di Basilea sempre con Oscar Ghiglia. Fin dal 1990 ha partecipato a numerosi Concorsi

Nazionali e Internazionali, tra i quali Stresa, Franz Schubert, e nel 2002 il Torneo

Internazionale di Musica TIM, qualificandosi sempre al primo posto. Ha al suo attivo numerosi

concerti in Italia e all'estero (Germania, Francia, Svizzera, Romania) sia come solista che

in formazioni cameristiche (Trio Solista) e orchestra, anche per importanti associazioni musicali

quali i "Pomeriggi Musicali", "Associazione Amici del Conservatorio G. Verdi" e "Amici

del Loggione del Teatro alla Scala". Ha proposto in prima esecuzione assoluta alcune opere,

a lui dedicate, dei compositori Giovanni Allevi e Sergio Luigi Mauri. Dal 2000 è titolare della

Scuola Civica di Musica a Gessate, e dal 2006 ne è anche direttore artistico. Dal 2006 tiene la

Masterclass di chitarra all'interno della manifestazione "La magia del borgo, chitarra e altro .."

a Brisighella (Imola).

Nel 2003 ha inciso un CD per la M.A.P. interamente dedicato ad Astor Piazzolla alternando

brani solistici a brani cameristici. È di recente pubblicazione il nuovo disco "Eleven", distribuito

dalla Nicolosi Production, etichetta che annovera frai suoi artisti Sting, F. Gambale e

Billy Cobham. L'incisione contiene musiche di Morricone trascritte per chitarra sola da C.

Marchione. Enea Leone suona su chitarre Gioachino Giussani.

CARLO MARCHIONE

Carlo Marchione è considerato dagli addetti ai lavori e dalla stampa specializzata come uno

dei migliori chitarristi della giovane generazione. La sua formazione professionale, che spazia

dalla musica classica al flamenco, al jazz, gli permette di trovarsi a suo agio tra i più svariati

stili musicali. Vincitore di numerosi Primi Premi in concorsi nazionali ed internazionali

(Ancona 1979/80, Parma 1981, "Mauro Giuliani" 1982, "Ville de Sabié" 1985, Gargnano

1989, "N.Paganini" 1991, "Città di Latina" 1992) nel corso della sua carriera si è esibito (da

solista, con orchestra e in svariate formazioni da camera) per numerosissimi Festival in tutta

Europa (Italia, Spagna, Francia, Olanda, Inghilterra, Repubblica Ceca, Germania, Austria,

Russia, Ucraina, Polonia, Romania, Svezia, Croazia). Nel 1997, in occasione di una tournée

in Russia, è stato invitato ad esibirsi nella prestigiosa Sala Grande dei Conservatorio "P. I.

Ciaikovskij" di Mosca, nonché nella "Sala Glinka" della Filarmonica di San Pietroburgo. Nel

1998 ha tenuto il suo debutto alla Filarmonica di Berlino. Richiestissinio docente, tiene regolarmente

masterclasses presso i più prestigiosi istituti musicali europei e presso i più importanti

Festival europei. Nel 1997, in occasione del 200 anniversario della nascita di Franz

Schubert, ha trascritto e inciso, insieme con il tenore C. RoseI, l'intero ciclo "Die sch6ne

Mullerin". Del suo primo CD da solista (Teleman: 12 Fantasie per violino, Kreuzberg

Records) la stampa specializzata ha scritto semplicemente "This is a disc in an hundred"

(Classical Guitar). Le Fantasie sono pubblicate dalla casa editrice Suvini Zerboni. Nel prossimo

mese è prevista la pubblicazione del sccondo CD solistico (D. Aguado: Tre Rondò

Brillanti e musiche di F. de Fossa). Carlo Marchione insegna attualmente presso la scuola di

Alto Perfezionamento "F. Mendelssohn Bartoldy" in Leipzig (Germania). Carlo Marchione è

professore al Conservatorio Maastricht in Olanda.

Ho ascoltato per la prima volta le trascrizioni delle musiche di Ennio Morricone, elaborate da Carlo Marchione, già una decina di anni fa e ne rimasi subito profondamente colpito. Poi, per una serie di motivi, questo lavoro ha potuto vedere la luce solamente dieci anni dopo la sua realizzazione e, particolare insolito, subito dopo che sia il sottoscritto che Carlo abbiamo aperto come solisti il concerto di Ennio Morricone e la Roma Sinfonietta all'Arena di Belgrado il14 Febbraio 2009, tutto ciò ad ulteriore conferma di come il destino segua strade a noi incomprensibili! Come dicevo, la prima volta che ascoltai queste musiche, avevamo organizzato un pranzo "chitarristico" insieme anche ai componenti del quartetto Nexus, noi tutti ex-compagni del Conservatorio di Santa Cecilia di Roma. Come avviene in questo genere di riunioni, alla fine del pasto, presa una chitarra, ognuno faceva sentire cosa stava studiando in quel momento. Carlo aveva da poco fatto ascoltare queste trascrizioni, per una supervisione, anche ad Ennio Morricone, che ne era rimasto favorevolmente colpito. Tutto faceva così auspicare una prossima pubblicazione del lavoro con una nota casa editrice. Poi, come purtroppo a volte accade nel nostro lavoro, le cose non si sono concretizzate e la casa editrice ha ritirato la proposta. Carlo però, ha cominciato ad inserire nei suoi concerti sempre una o due di queste trascrizioni, che immancabilmente incontravano il piacere del pubblico e alimentavano, da parte dei chitarristi presenti in sala, la richiesta degli spartiti per poterle suonare. Marchione, sempre generoso, non ha mai negato a nessuno i suoi manoscritti, così piano piano altri chitarristi hanno cominciato a suonarle. Fra questi anche il bravo chitarrista Enea Leone che ha realizzato nel 2007 per la Nicolosi Production il cd: Eleven - Enea Leone plays Ennio Morricone, contenente appunto 11 trascrizioni realizzate da Carlo Marchione. Ora a più di dieci anni dalla nascita di questo splendido progetto che però non ha mai visto la luce, ho chiesto alla casa editrice Carisch di inserire nella collana da me diretta una selezione di quegli undici brani. Ritengo infatti che il lavoro realizzate da Carlo sia di alto spessore musicale, oltre che estremamente chitarristico, le trascrizioni in questione non sono però facilissime. D'altro canto, anche la precedente pubblicazione della stessa collana da me curata, contenente le trascrizioni delle musiche di Giovanni Allevi, non era un libro "entry-Ievel". Il mio intento con questa collana è infatti quello di rivolgermi ad un target chitarristico di livello medio alto. Rivolgendoci con questa pubblicazione così anche ai concertisti, siamo consapevoli di offrire loro un prodotto musicale anche impegnativo, ma di sicura qualità musicale e assoluta riuscita chitarristica, che può essere però una valida alternativa o integrazione dei loro usuali programmi da concerto. L'intavolatura presente ha una funzione più esplicativa che semplificativa, infatti molte volte Marchione ha utilizzato addirittura il doppio pentagramma laddove usarne uno solo avrebbe creato dei problemi di comprensibilità del testo musicale, l'intavolatura viene così in aiuto anche del più smaliziato professionista. Accompagna il libro, come consuetudine della collana, il cd con l'esecuzione di Enea Leone dei sette brani scelti. L'incisione è stata tratta, per gentile concessione della Nicolosi Production, dal cd da loro realizzato nel 2007. Roma 19/02/2009

Il volume include i seguenti brani di Ennio Morricone trascritti per chitarra sia in notazione standard che in intavolatura:

1986 - GABRlEL'S OBOE - musica: Ennio Morricone

1966 - IL BUONO, IL BRUTTO E IL CATTIVO - musica: Ennio Morricone

1988 - NUOVO CINEMA PARADISO - musica: Ennio Morricone, A. Morricone

1971 - SEAN SEAN - musica: Ennio Morricone

1996 - NOSTROMO - musica: Ennio Morricone

1970 - A L'AUBE DU 5° JOUR - musica: Ennio Morricone

1988 - PER ELENA - musica: Ennio Morricone, A. Morricone

NORTHERN ITALIAN & TICINO REGION FOLK SONGS FOR MANDOLIN. Carlo Aonzo, Clara Ponzoni, Giorgio Borsani. CD TABLATURE

LIBRO DI MUSICA DEL NORD ITALIA, CON CD.

SPARTITI PER MANDOLINO CON: 

ACCORDI, PENTAGRAMMA, TABLATURE. 

TESTO IN ITALIANO E INGLESE.

Ticino is a small area at the southernmost tip of Switzerland on the border with Italy. The Ticino region was actually part of Italy until a few centuries ago. The mandolin arrived in Ticino through immigrants and their music, and put down important cultural roots there. The mandolin style in Ticino is a link to the old Italian folk music tradition, which has been largely lost in Italy and throughout other parts of the world. This book is a collection of some of the most famous pieces from this vast historical repertoire. The collection includes lots of popular folk songs, virtuosic pieces by original mandolin composers, as well as an original Aonzo composition. The book is presented in English and in Italian while the music is in standard notation and mandolin tablature. 

INTRODUZIONE
In una piccola regione a sud della Svizzera, proprio al confine con l'Italia, c'è il Ticino.
Questo piccolo territorio fino a pochi secoli fa era parte dell'Italia, per cui ha mantenuto
svariate sfumature di cultura italiana, pur facendo parte della Svizzera.
Il Ticino (come il resto della nazione) ha avuto un grande sviluppo industriale ed economico
a partire dalla fine del 1800. Di conseguenza si è trasformato da terra di emigranti
(i ticinesi emigravano verso le Americhe) a terra di immigrazione. E probabilmente
è proprio grazie all'immigrazione di tanti italiani che il mandolino è arrivato in
Ticino, e qui ha messo delle importanti radici, essendo tra i principali rappresentanti
del patrimonio culturale locale. In Ticino infatti vi è un'alta densità di musicisti e di
orchestre a plettro.
La musica mandolinistica ha una grande tradizione come musica d'aggregazione e di
festa. Ancora oggi nasce in modo spontaneo tra musicisti ed appassionati che si trovano
per passare qualche momento in allegria, e viene arricchita con mandolini, chitarre,
contrabbasso, canto, fisarmonica e altri strumenti. Questo modo di suonare che si va
perdendo in Italia ed in altre parti del mondo, resta attuale in Ticino. Polche, canzonette,
valzer, mazurke, arie d'opera, serenate risuonavano e risuonano ancora fino a
tarda ora nei luoghi di ritrovo. Il tutto accompagnato da buon vino e cibo tradizionale.
Oltre alla musica spontanea, vi sono molte orchestre mandolinistiche, che affrontano
repertori scritti per questo tipo di formazione (di cui non è nostro obiettivo parlare in
questo libro).
Il repertorio spontaneo è piuttosto vasto, e legato all' abilità e alle conoscenze dei singoli
musicisti. Si va da canzonette popolari (molte delle quali di autore sconosciuto) a
compositori originali per mandolino, passando da musica tramandata per tradizione
orale (molti musicisti non sapevano leggere la musica) fino a repertorio di grande virtuosismo.
Fonti importanti sono state le riviste pubblicate in Italia da fine 1800 che
avevano cadenza di solito bisettimanale e che gli abbonati aspettavano con trepidazione
("Il plettro", "Il mandolino", e altre).
L'intento di questo lavoro e' quello di trasmettere agli appassionati mandolinisti di
tutto il mondo, la cultura musicale del Ticino e lo spirito allegro e cordiale che caratterizza
la Svizzera italiana.
NOTE DEGLI AUTORI
Nella musica popolare raramente l'esecutore legge la notazione musicale; i brani vengono
imparati, arrangiati ed eseguiti ad orecchio. Spesso accade, quindi, che le note
scritte siano solo una traccia e l'interpretazione sia ogni volta diversa.

CARLO AONZO
Concertista di fama internazionale si è affermato anche tra i principali divulgatori del mandolino classico italiano. Diplomato in mandolino con il massimo dei voti e la lode al Conservatorio di Padova, ha collaborato con numerose istituzioni musicali incluse la Filarmonica del Teatro alla Scala di Milano, e la Nashville Chamber Orchestra (Usa).
Ha vinto, tra gli altri, il primo premio speciale "Vivaldi" alla Vittorio Pitzianti National Mandolin Competition di Venezia, e il primo premio alla Walnut Valley National Mandolin Contest, Winfield, Kansas. Ha registrato per l'americana Mel Bay, un concerto-video sulla storia del repertorio per mandolino solo (Carlo Aonzo: Classical Mandolin Virtuoso) , i progetti discografici "Serenata" (Acoustic Music, Germania), "Traversata" (Acoustic Disc, Usa), "Antonio Vivaldi-Concerti per mandolino e orchestra" (Edt, Torino), nel 2007 l'album "Kazè", nel 2008 "Il mandolino italiano nel Settecento", e nel 2010 "Fantasia Poetica". E' titolare di un corso annuale a partecipazione internazionale a New York e nel 2006 ha fondato l'Accademia Mandolinistica Internazionale Italiana.
Come ricercatore si occupa delle origini e della storia del proprio strumento, ha collaborato con il New Grove Dictionary of Music and Musicians ed ha curato edizioni musicali per la casa editrice Bèrben.

GIORGIO BORSANI
Nato a Como (Nord Italia), ha intrapreso gli studi di chitarra classica all'età di 12 anni, diplomandosi presso il Conservatorio "Giuseppe Nicolini" di Piacenza. Ha all'attivo diverse collaborazioni con formazioni cameristiche, anche in qualità di solista, ed è membro di alcune orchestre a pizzico in Svizzera e Italia. Accanto all'attività concertistica affianca quella didattica, ha insegnato in diverse scuole di musica e si occupa dellaformazione strumentale in formazioni mandolinistiche in Svizzera e collabora nell'organizzazione di corsi di musica nazionali ed internazionali. Si occupa inoltre dell'organizzazione di concerti e rassegne musicali ed ha conseguito la Laurea in Economia per le Arti, la Cultura e la Comunicazione.

CLARA PONZONI BORSANI
Nata e cresciuta in Svizzera, ha iniziato da bambina 

lo studio del mandolino nell'ambito delle Orchestre
Mandolinistiche locali, proseguendo poi gli studi con Carlo Aonzo.
Suona in alcune Orchestre Mandolinistiche, in Du.
classico con chitarra (Duo Vivace) e in qualità di solista a
orchestre da camera.
nrepertorio spazia dalla musica popolare a quel!.
contemporanea. Tiene regolarmente concerti in Svizzera ed all'estero.
Oltre all'attività musicale, si occupa di insegnamento e di organizzazione di coro
di musica nazionali ed internazionali quale collaboratrice del Maestro Aonzo. 

POLCA E MARCIA
La polca è un ballo in 2/4. La musica è veloce e si danza in coppia.
Non è chiaro quale sia la sua origine. Si ritiene che, come indica il suo nome, derivi da una danza
polacca che si è diffusa velocemente in tutta l'Europa.
Nelle serate conviviali viene eseguita molto spesso proprio per il suo carattere allegro e vivace.
Anche la marcia è una composizione musicale in 2/4, che si differenzia dalla polca per l'origine.
Infatti, come suggerisce il nome, non è stata pensata per la danza ma per scandire il passo delle
sfilate delle bande militari. Anche il repertorio bandistico fa parte della cultura popolare ed è
t{uindi vicino alla musica mandolinistica.
E importante segnalare che spesso nella musica popolare la stessa melodia sia d'uso in diversi
luoghi ma con titoli ed attribuzioni diverse. Si tratta di musica tramandata oralmente la cui paternità
resta ignota o ambigua.

LA SISINA
In Ticino la composizione di questa di polca viene attribuita a Pasquale Sisini (Mendrisio/CH 1902-1997). Il
collegamento tra il titolo ed il presunto autore è evidente. Della stessa melodia sono presenti però delle tracce
nel nord-est d'Italia (Trentino), dove viene chiamata "Polka Gilardengo" (Libro a pagina 109: Giacomo
Sartori e l'Associazionismo Mandolinistico in Italia fra il XIX e il XX secolo, a cura di Antonio Carlini, Ed.
Akademos 1999).
Un collega musicista che ha conosciuto e suonato personalmente con Sisini conferma con orgoglio che la
musica è stata composta da lui.
Questo dimostra che è davvero difficile conoscere con esattezza la paternità di alcune melodie.

POLCA DEL DORIN
Questa polca è di autore ignoto. Viene chiamata "Polca del Dorin" per identificarla dalle altre polche, proprio
perché questo famoso mandolinista ticinese (Isidoro Frigerio, Riva San Vitale/CH 1908-1988) la suonava
molto frequentemente.

OH KATIA
Motivo popolare di origine sconosciuta, tra i più diffusi nella musica popolare.

AL GROTT DEL FIN
Remo Giambonini (Gandria/CH 1911-1997) è stato uno tra i più importanti compositori ed orchestratori
ticinesi di musica per mando lino.
Giambonini ha studiato armonia e contrappunto ed ha suonato in tante orchestrine in salotti, alberghi e
balere di tutta Europa, con un repertorio musicale immenso (operette, musica da ballo, classica e popolare).
Era un musicista poliedrico, negli strumenti e negli spartiti.
La sua grande preparazione musicale è evidente nelle sue composizioni popolari che contengono una grande
ricchezza musicale.
Nella musica popolare infatti, oltre a canzonette piuttosto semplici, sono presenti brani molto virtuosi.
La composizione è stata dedicata al grotto (osteria) del padre (Il Grott del Fin) che si trovava sulle rive del
lago di Lugano.

SCUGNIZZA
Il termine "scugnizzo" nel dialetto napoletano indica un bambino monello e dispettoso che passa le giornate
per le strade di Napoli.

NINAPANCHA
Brano popolare probabilmente di origine spagnola. Suonato sia in duo sia con orchestra.
 

Al Grott del Fin - Remo Giambonini

Carnevale di Venezia - Arr. Carlo Munier - CON ANCHE LA PARTE DELLA CHITARRA, NO TABLATURE. 
Cesarina - Cesare Pezzolo
Czardas - Vittorio Monti
Graziella - Pino Guerra
L’Alborela - Remo Giambonini
La Sisina - Traditional
Nina Pancha - José Garcia
Ninna nanna - Giuseppe Aonzo
Oh Katia! - Traditional
Polca del Dorin - Traditional
Scugnizza Remo - Giambonini
Speranze perdute - Alessandro Morelli
Tarantella - Raffaele Calace - CON ANCHE LA PARTE DELLA CHITARRA, NO TABLATURE.  
Tra veglia e sonno - Luigi Canora
Vulcano - Mario Cavallari